domingo, 20 de outubro de 2019

SAPATILHAS DE PONTA!




As sapatilhas de pontas fazem a magia da levitação no Ballet Clássico!


A sapatilha de ballet possui uma resistência própria, portanto possuiu certa flexibilidade . Elas são protegidas com elásticos e estão perfeitamente ajustados ao pé, para que eles tenham uma segurança máxima. As sapatilhas podem ter um elástico no arco do pé ou dois elásticos entrecruzados no topo do arco do pé.

As sapatilhas ballet são feitos de cetim, lona ou couro macio. As de cetim se desgastam rapidamente e são usados ​​para o desempenho formal. As de lona também se desgastam rapidamente, mas são menos dispendiosos e as mais confortáveis. As de couro duram muito tempo.

Durante a performance, a maioria das bailarinas profissionais usam sapatilhas de balé e, em seguida, se transformam em sapatilhas de ponta para o desempenho principal e a maioria dos bailarinos usam sapatilhas de meia ponta.

Sapatilha meia ponta

As sapatilhas de ballet podem ser bronzeados, como a pele, para dar um olhar descalço. As sapatilhas  normalmente são cor de rosa, mas também podem ser de cor bege, preta ou branca. Depende de cada situação de sua utilização!

Os bailarinos têm forma de pés diferentes, comprimento do dedo e flexibilidade do arco dos pés, de modo que os fabricantes devem fazer diferentes modelos de sapatilhas de ballet personalizados.

Um pouco de História:

Em primeiro lugar, antes da Revolução Francesa, a dança BALLET foi realizada em sapatilhas com calcanhares chamados sapatos de calcanhar. Estes eram sapatos delicados e caros, feitos de seda de qualidade com solas de couro macio. Marie Camargo, membro do Paris Opera Ballet, foi a primeira bailarina a vestir um sapato de balé sem o calcanhar. Ela encurtou a saia de ballet para permitir que todos conseguissem ver seu belo trabalho de pernas e técnica.

Marie Taglioni tinha um estilo descalço e usava sapatilhas de cetim macias com sola de couro. Charles Didelot criou o antecessor das sapatilhas clássicas de ponta. Ele descartou sapatos de dança com saltos habilitados para bailarinos de ballet. Eles eram de fundo plano, tinham fitas para garantir as sapatilhas aos pés e tinham material debaixo dos dedos para permitir que as bailarinas parassem nos dedos dos pés. Mas as sapatilhas ainda estavam sem suporte e estrutura para os pés. Elas eram apenas sapatilhas de cetim com solas de couro, então as bailarinas tinham que contar apenas a força.

August Bournonville, o coreógrafo dinamarquês, colocou ênfase em sapatilhas de ballet masculina, chamado sapatilha de Bournonville. Elas eram pretos com um vamp branco em forma de V na frente, para a impressão do pé pontiagudo e longo. A bailarina russa Ana Pavlova deu apoio extra aos pés. Ela teve problemas com lesões, então ela inseriu solas de couro temperadas em sapatos e endureceu e achatou a área dos dedos formando uma caixa nas pontas dos pés. Estas sapatilhas tornaram-se antecessores das sapatilhas de ponta de hoje. Elas deram pés curvados, e o trabalho de ponta tornou-se menos doloroso.

As sapatilhas Dori combinam a caixa, o calcanhar e a sola flexível, permitindo etapas do ballet clássico e outros estilos de dança. Elas foram criadas pelo bailarino e coreógrafo de Las Vegas, Dorimar Bonilla.

O sapato de dança mais conhecido é a sapatilha de ponta. 

Elas são usadas ​​quando a bailarina executa o trabalho de ponta. Elas geralmente são usadas ​​por mulheres. A dança de pointe é quando as bailarinas dançam nas pontas dos dedos dos pés. Estas sapatilhas se desenvolveram como uma necessidade das bailarinas para dançar em pointe por um longo período de tempo e como o intuito que a bailarina pareça sem peso, leve e graciosa ao saltar e tão leve como desafiar a gravidade. A cor mais conhecida para as sapatilhas de ponta é rosa claro.

Elementos das sapatilhas de ponta são uma caixa de gesso nas pontas, duas fitas e uma faixa elástica, sola, tampa de tecido e acessórios.

A bailarina às vezes usa diferentes modelos de sapatilhas de ponta para diferentes performances. O estilo agressivo exige sapatilhas de ponta mais rígidas, enquanto o estilo lírico requer sapatilhas de ponta mais suaves.

As sapatilhas de ponta durarão entre dez e vinte horas de uso. Bailarinas de ballet profissionais vão desgastá-lo em uma só performance. A vida útil das sapatilhas de ponta inclui muitos fatores como ajuste, quebra, técnica, uso, força do pé, peso e superfície de desempenho.

As sapatilhas de meia ponta são muito semelhantes as sapatilhas de ponta, mas eles não possuem a estrutura rígida nas pontas dos dedos, então são mais suaves.




Wagner Alvarenga

TRAJES NO BALLET CLÁSSICO!




Os trajes desempenham um grande papel nos movimentos graciosos e rápidos dos bailarinos.

Ballet é uma dança que teve sua origem na era majestosa dos Tribunais do Renascimento Italiano (no século 15). Foi ainda expandido em outros países como Rússia, França e Inglaterra, onde se tornou popular como um show de dança formalizada. É preciso muita prática e persistência para realizar os movimentos de ballet. Para executar as coreografias de ballet há uma necessidade de duas coisas importantes. Essas coisas são: as sapatilhas e os trajes de ballet.

História dos trajes do ballet

No início os ballets eram todos sobre a riqueza e a perfeição da corte real italiana. Os trajes de ballet refletiam essa riqueza e, como resultado, eles eram feitos de panos extravagantes com brocados pesados, enormes enfeites e peças de cabeça. Como eles eram feitos de um tecido pesado, eles realmente restringia os movimentos do ballet. Como resultado, durante o início do século 18, uma bailarina introduziu uma versão mais curta das saias de ballet. Ela chamou a atenção de muitos críticos de ballet, surpreendentemente, estes trajes menores não foram muito criticados e foram facilmente aceitos pelo público. Eles vieram como um grande alívio para as bailarinas.

Mais tarde, durante o final do século 18 e 19, os trajes de ballet novamente passaram por uma série de modificações. Era a época, quando as bailarinas usavam trajes no comprimento da panturrilha. Elas usavam esses trajes brancos, que geralmente eram feitos de tule. Estas fantasias eram acompanhadas com sapatos de cetim pontiagudos. Homens, por outro lado, usavam calças e camisas de mangas longas. Estas camisas eram geralmente cobertas com casacos mais curtos. As mangas dos trajes para homens e mulheres eram determinadas de acordo com o tema do ballet. Como resultado, existem vários padrões dos figurinos para cada personagem, até hoje!

Trajes dos Ballets Atualmente



Hoje, trajes de ballet são chamados de tutus. Um tutu de ballet é uma saia que a bailarina usa. Existem vários tipos de tutu. Ele pode ser feito utilizando um único, ou várias camadas de um tecido. Estas camadas distribuídas em torno do corpo da bailarina. Estas fantasias ajudam as bailarinas a executar facilmente os seus movimentos corporais, sem interferir nos movimentos da dança. Os tutus de ballet são muitas vezes associados com um collant, que é uma peça de roupa colante, que cobre o tronco. Os collants estão frequentemente cheios mangas e eles são usados ​​principalmente pelas ginastas, atletas e bailarinos. Aqui estão alguns tipos básicos do ballet tutu:

Tutu Sino: Como o nome sugere, um tutu sino tem a forma de um sino e é feito sem a utilização dos aros de arame. Ele é feita de muitas camadas de tecido, mais do que o tutu clássico prato.



Tutu Prato: Esta saia tem várias camadas de tecido que são esticados para o exterior a partir dos quadris da bailarina. Aros de arame são usados ​​para manter a saia durinha e armada.




Tutu Romântico: O tutu romântico é feito de 3 a 12 camadas do tecido. Esta saia é geralmente ligada ao corpete. Estes tutus de movimentos livre simbolizam o tema romântico do ballet.




Tutu Esponja de Pó: Este tutu é na verdade uma combinação do tutu sino e o tutu prato. Este tipo de tutu é vagamente montado, o que lhe dá a aparência de um pouco mais completo e mais suave. Nenhum aro de arame é usado ​​para fazer este tutu, são apenas algumas camadas (2-5) do tecido.




Os acima mencionados são alguns dos trajes de ballet para meninas e mulheres. Existem muitos outros tipos de trajes, que são populares por vários nomes. Tradicionalmente, os figurinos de ballet são feitos com materiais elegantes e soltos como tule, musseline, nylon, voile, tarlatana, etc. 

Bailarinos continuam a usar calças e camisas de mangas longas.

Hoje, existem muitas lojas de roupas de dança, que lhe oferecem trajes baratos. Eles estão disponíveis em cores e padrões, que não deixará de atrair você. Pode-se também encontrar alguns grandes trajes online. Tudo que você tem a fazer é selecionar o melhor que lhe convier.


Wagner Alvarenga

8 FATORES QUE PODEM ATRAPALHAR A SUA EVOLUÇÃO NO BALLET!





1) Medo de errar

Aula é para aprender, ser fosse para fazer certo se chamaria espetáculo. Então deixe qualquer paranoia de lado e continue aprendendo. É aprendendo com os nossos erros que alcançamos a perfeição.


2) Vaidade

Quando achamos que estamos bem, seguras demais, nos achando "a última coca cola do deserto" perdemos a chance de ouvir correções importantes e de evoluir. O maior erro de uma bailarina adulta é achar que não precisa de correção.


3) Usar "truques" para parecer melhor

Abrir o quadril para subir mais a perna no attitude ou no arabesque, forçar o pé mais que o joelho para ter uma quinta "bem fechada"....existem diversos truques para "parecer" melhor mas que não ajudarão em nada a sua técnica e poderá ainda lhe machucar.


4) Não gostar de correção

Ninguém melhora sem correção. Acredite, se o professor corrige é porque você pode fazer melhor!


5) Chegar atrasado

Aquecimento é uma parte importante da aula....


6) Perder aulas

Manter o ritmo de aulas é essencial para o corpo criar memória e desenvolver a musculatura necessária para a dança. 

7) Pensar que alongamento/flexibilidade é tudo

Alongamento é importante mas não é o principal. Foque na técnica, na limpeza dos passos. 

 8) Comparação

Se comparar com outras pessoas só gera frustração, não faça isso. Cada pessoa tem uma história, um corpo e uma genética diferente. Destaque seus pontos fortes e trabalhe nos seus pontos fracos. Se existe alguém mais avançado ou com mais facilidade que você que sirva como inspiração.

DICAS IMPORTANTES PARA BAILARINOS INICIANTES!






É comum bailarinos iniciantes no ballet clássico sentirem uma certa dificuldade nas primeiras aulas. Mas isto não é motivo para desistir. 

Segue abaixo alguns segredinhos que vão lhe ajudar muito.

1) A primeira dificuldade que muitos enfrentam, até mesmo bailarinos em níveis mais avançados é em relação aos NOMES DOS PASSOS, que não são nada comuns.
Mas não se preocupe, com o tempo a familiaridade dos nomes será normal. 
( Tem uma postagem especial aqui no Blog com dicionário de Ballet Clássico )


2) O Ballet clássico exige dos bailarinos muita COORDENAÇÃO MOTORA. 

Tudo deve ser sincronizado: braços, pernas, cabeça, coluna... Mas manter toda essa sincronia é bem difícil para as inciantes. O ideal é não tentar fazer tudo de uma vez só. Procure aprender primeiramente as posições dos pés e manter os mãos na cintura enquanto executa algum passo. Com o tempo você vai se acostumando e pegando o jeito.

3) Outra dificuldade que muitos tem, é na hora de REPETIR A SEQUÊNCIA. 

São muitos passos parecidos, mas que não são iguais, por isso é importante ficar atento. Ao chegar em casa tente repetir o que foi feito na aula. Não tenha vergonha de pedir ao professor para parar a aula e explicar novamente.

4) GIROS? Tente não se apavorar, raramente alguém consegue um giro perfeito logo de primeira. 

É preciso muito treino, esforço e dedicação. Aliás, tudo no Ballet, exige isso. Não faça de qualquer jeito só por fazer, tenha calma, preste atenção nos pés,capriche no plié e treine bastante. Quando menos perceber estará conseguindo.

5) Você já reparou que as músicas do Ballet clássico são divididas em TEMPOS? 
 ( 2 tempos, 4 tempos, 8 tempos ) 

Muitas bailarinas confundem, e não conseguem fazer os passos dentro dos tempos corretamente. Mas isto é completamente normal quando se está iniciando. Por isso a importância de trabalhar a musicalidade. Um bailarino precisa sentir a música e dançar conforme seu ritmo. Preste atenção a todas as batidas da música que vocês estão trabalhando e não tente fazer da sua maneira. Se você não sabe como conduzir determinado exercício dentro da música, pergunte ao professor.




Wagner Alvarenga

COMO MELHORAR NO BALLET ?




Não se deixe levar pela preguiça ou pelo medo. Para você sempre estar melhorando o seu ballet é necessário apenas uma coisa....persistência!

Alguns cuidados que você deve ter para alcançar o seu melhor potencial.




1) Medo, insegurança e timidez

Lembrem-se.....do chão você nunca irá passar....medo de cair, errar ou "fazer feio" é normal....então é hora de vencer o medo e aceitar o desafio....

2) Comodismo e preguiça

É muito confortável continuar na nossa zona de conforto. Nos causa uma sensação estranha ter que sair dela!
Muitos não melhoram, seja no ballet, seja em outras áreas da vida, porque não arriscam dar um passo a frente, porque acha que está bom do jeito que está, ou porque não quer se esforçar.
Às vezes o "melhor" está logo ali à frente...

3) Não tirar as dúvidas

Às vezes nós aprendemos um passo novo ou uma sequência nova que não entendemos muito bem e não tiramos a dúvida com o professor. A dúvida acumula e você continua fazendo o passo de forma errada ou continua sem conseguir fazê-lo.
Está com vergonha de falar que não entendeu? Tudo bem! Espere o final da aula todos saírem para estar só com o professor e tirar a sua dúvida.

4) Falta de consciencia corporal

Às vezes pode acontecer do professor corrigir a gente mas pode ser que o corpo ainda não entenda, ainda não esteja muito acostumado com aquele movimento.
A consciência corporal vem com o tempo mesmo. Mas isso não quer dizer para você esperar o tempo passar. É treinando e fazendo mais que você entende o movimento.

sábado, 19 de outubro de 2019

PROJETO RECILCANDO SONHOS 10 ANOS



O PROFESSOR DE DANÇA CAPACITADO


Professor de Dança





Assistimos a um crescimento galopante do número de profissionais de dança, bem formados, que estão à procura de trabalho, enquanto as nossas aulas se enchem de professores que dão aulas porque "vi num filme e era tão fácil". Pois, a vida não é um filme, e quando um professor assume uma turma, tem responsabilidade sobre todos os seus alunos.

Pessoas com pouca ou nenhuma formação enquanto professores de dança, mas que se "mexem bem" e são carismáticas, são estes que eu chamo de "Falsos Professores". Estas pessoas enchem facilmente  uma turma de iniciados, mas também perdem rapidamente os alunos que pretendem evoluir.

Um professor de dança tem de estar consciente de que está a mudar as vidas de todas as pessoas que se apresentam na sua aula. A aula de dança não é apenas um momento para "mexer um pouco ao som da música". É muito mais do que isso. Aquilo que nós, professores de dança, passamos aos nossos alunos, vai influenciar a sua forma de ser e estar, aquilo que os fazemos treinar vai determinar o seu desenvolvimento físico, vai formar (ou deformar) o seu corpo, vai desenvolver (ou limitar) a sua capacidade de movimento, vai potenciar (ou inibir) a sua criatividade.






Formação


Os cursos superiores de dança existentes abrangem um limitado número de estilos de dança, normalmente dança clássica e contemporânea com mais algumas abordagens durante o período de duração do curso. Também o ensino articulado e os cursos de formação tecnológica sofrem as mesmas limitações.


Os professores de dança devem procurar formação na área que pretendem, conhecer as opções existentes, e procurar ter uma formação o mais completa possível, seja através de cursos profissionais ou de especialização, que devem ser sempre complementados com a frequência de workshops e de cursos intensivos.


Cada modalidade tem o seu "curso previlegiado", existe sempre aquele formador que dá total credibilidade à formação. É esse o curso que deves tirar. É esse o curso que vai dar sustentabilidade ao teu percurso profissional. Atenção que cada caso é um caso, e na dança, todas as modalidades têm exigências diferentes.


Não se pode esperar que um professor de danças urbanas, tenha o mesmo percurso acadêmico de um professor de ballet clássico. O que se pode esperar, e exigir, é que ambos tenham formação de qualidade e devidamente reconhecida na sua área.Também a frequência de workshops e cursos intensivos tem uma enorme importância na formação de competências de cada um, pois a formação contínua é um dever de todos os profissionais e é também o que distingue um bom de um mau profissional.


São muitas as instituições que promovem workshops e cursos intensivos com pro- fissionais internacionais de dança. Mesmo assim, muitas vezes é necessário ir lá fora procurar mais formação, especialmente em modalidades ainda pouco desenvolvidas no Brasil, de forma a complementar aquilo somos enquanto profissionais.

A dança não é uma saída profissional, é muito mais do que isso! É uma paixão, uma forma de ser, um modo de vida. Ser professor de dança requer uma formação longa e contínua.





Legislação


A legislação é também bastante limitada, não existe a obrigatoriedade de detenção de DRT, Graduação em Dança ou Educação Física! Assim, ficamos com uma enorme lacuna no reconhecimento de certificação dos profissionais de dança.

Cabe aos empregadores, nomeadamente escolas de dança, associações, acade- mias, e outras instituições que promovem aulas de dança, certificarem-se da existência de formação em determinada área, quando procuram profissionais para essa modalidade. Cabe também a estes, certificarem-me da qualidade das aulas que proporcionam aos seus alunos.


Um bom professor pode não ser o melhor bailarino, nem o que tem mais alunos, mas é aquele que ensina, que exige, que corrige e que tem um histórico muito bem desenvolvido para atuar na área!

Uma reflexão que cada dia mais temos que nos conscientizar!




Wagner Alvarenga

PRODUÇÃO CULTURAL - Um novo olhar para o mercado de trabalho por Wagner Alvarenga

PRODUÇÃO CULTURAL Produções culturais como festivais de Dança, peças de teatro, exposições, filmes, gravações de DVDs ou programas de televi...